SPEAKER | TITLE | ABSTRACT ENG/ITA |
Maria Vittoria Marini Clarelli | Introduzione | |
Katie Smith Collections Trust | Panoramica sul progetto Partage Plus Overview on the Partage Plus project | ITA: Collections Trust coordina il progetto Partage Plus. In questa presentazione, Katie Smith spiegherà perché l'Art Nouveau è stato scelta per Partage Plus, lo stato di avanzamento e le sfide del progetto fino ad oggi oltre agli sviluppi dei prossimi 12 mesi. Darà una breve panoramica di Europeana e illustrerà alcuni dei contenuti che il progetto ha portato al portale, tra cui l'architettura, le scansioni 3D e una vasta gamma di collezioni provenienti da tutta Europa. Spiegherà inoltre come si può partecipare al progetto. ENG: Collections Trust are the project coordinators of Partage Plus. In this presentation, Katie Smith will discuss why Art Nouveau was chosen for Partage Plus, the progress of the project and challenges of the project to date and the future developments that will happen in the next 12 months. She will give a brief overview of Europeana and the highlight some of the content that the project has delivered to the portal, including architecture, 3D scans and a vast array of collections from all over Europe. She will also demonstrate how people can get involved with the project. |
Jolanda Covre | Al bivio tra simbolismo e proto razionalismo At the junction between symbolism and proto rationalism | ITA: Si rintracciano nell'architettura e nelle arti applicate dell'Art Nouveau una tendenza "organica" e vicina alla pittura simbolista ed una tendenza più incline alla sintesi geometrica ed alla linea retta. Entrambe possono collegarsi alla cultura della Einfühlung intesa in diverse accezioni ed in entrambe si alternano soluzioni "decorative" e problematiche tecnicistiche e protorazionaliste. Si sottolineano alcune linee di continuità, come quella che lega Viollet-Le-Duc, Morris, Horta, Van de Velde, o un'altra che lega Otto Wagner, Hoffmann, Loos, il primo Gropius, nonché Perret e il primo Le Corbusier. ENG: An "organic" tendency close to symbolist painting and a trend more prone to geometric synthesis and the straight line can be traced in the architecture and applied arts of the Art Nouveau style. Both can connect to the culture of Einfühlung in its separate manifestations, and "decorative" solutions and tecnical and protorationalist problematics are alternated in both. There are some lines of continuity, such as the link between Viollet-Le-Duc, Morris, Horta, Van de Velde, or another which binds Otto Wagner, Hoffmann, Loos, early Gropius, and Perret and early Le Corbusier. |
Piotr Kopszak | The Past in the Pre-Raphaelite and Young Poland's Art Il passato nell’arte preraffaellita e della Giovane Polonia | ITA: La Confraternita dei Preraffaelliti, fondata nel 1848 da un gruppo di giovani artisti inglesi, è diventata una delle forze più importanti della rivolta anti-accademica che si diffuse in tutta Europa nella seconda metà del XIX secolo. La sua influenza fu chiaramente visibile soprattutto durante il periodo Fin de Siècle, quasi cinquant'anni dopo la sua fondazione. Giovani pittori polacchi, che avevano abbracciato gli ideali dell’Art Nouveau caddero sotto l'incantesimo dei Preraffaelliti inglesi. Respinsero inoltre preconcetti e ideali accademici. Allo stesso tempo, un po' sorprendentemente, essendo la storia una materia accademica per eccellenza, entrambi condividevano l’estremo interesse per la materia. Quali erano le somiglianze e le differenze nell’approccio degli artisti polacchi e britannici nei confronti della storia e come poteva convivere con i loro programmi artistici anti-accademici? Approvavano o contrastavano il gusto della società Borghese contemporanea? ENG: Pre-Raphaelite Brotherhood which was founded in 1848 by a group of young British artists has become one of the important forces in the anti-academic revolt which swept across Europe in the second half of 19th century. Its influence became prominently visible especially during the Fin de Siecle period, almost fifty years after it was founded. Young Poland painters, who embraced Art Nouveau ideals also fell under the spell of British Pre-Raphaelites. They also rejected academic preconceptions and ideals. At the same time, somewhat surprisingly, as history was an academic subject par excellence, they both shared keen interest in it. What were the similarities and differences in Polish and British artists' appproach to history and how it converged with their anti-academic artistic programmmes? Did it approve of or undermine contemporary bourgois society taste? |
Miroslav Gašparović | Specifiche dell’Art Nouveau in Croazia Specifics of Art Noveau in Croatia | ITA: Nel 1897, lo stesso anno della secessione viennese, solo un paio di mesi più tardi, un gruppo di giovani artisti croati fecero una radicale scissione simile dall’Associazione di Arte croata fondando l’Associazione di artisti croati. Anche se le basi ideologiche di questo movimento croato di secessione era simile ideologicamente a quello di Vienna, artisticamente la situazione era molto diversa. Nel corso del XIX secolo, in particolare nella seconda metà del secolo, furono istituite e/o radicalmente modernizzate istituzioni croate nazionali nel campo dell’istruzione e dell’arte, e la maggior parte degli artisti e architetti furono educati a Vienna, Monaco di Baviera, Venezia, Roma, Budapest ecc. Stilisticamente il primo contatto degli artisti croati con l'idioma Jugendstill arrivò con Bella Csikos Sessia, pittrice che aveva studiato presso la München academy of fine arts dove incontrò Franz von Stuck e conobbe il suo lavoro. Il principale impulso ideologico venne da diversi scrittori croati e critici d'arte come Mililivoj Dežaman e Pillar Ivo che pubblicarono i primi articoli e libri elaborando la nuova ideologia artistica moderna Secesija (termine croato). Lo Spritus Movens di tutto il movimento fu il pittore Vlaho Bukovac che si stabilì a Parigi nel corso degli anni precedenti e tornò a Zagabria nel 1896. La sua forte individualità artistica non poteva sopportare le restrizioni del gusto artistico ufficiale fondato sugli stili storici e sull’ideologica nazionale romantica. Anche se la sua pittura non sarebbe stata riconosciuta a Parigi come radicale, allo stesso modo il suo stile è molto più vicino al plainairesm che allo stile secessionista di Vienna, ma il suo ruolo di leader del movimento è stato essenziale. Successivamente furono figure chiave Tomislav Krizman che cercò di incarnare la versione croata di Winerwerkstete, purtroppo con meno successo, e, naturalmente, lo scultore Ivan Meštorvić che rappresentò non solo una fase tardiva dell’Art Nouveau in Croazia, ma anche la scultura e l’arte croata nella prima metà del XX secolo. ENG: In 1897, same year when the Vienna secession happens, just couple of months later, group of young Croatian artists have made similar radical split form Croatian Art association founding Association of Croatian artists. Although ideological grounds for this Croatian secession movement have been on the similar ideological ground as one in Vienna, situation in art have been quite different. During 19th century, especially in the second half Croatian national education end artistic institutions have been established or radically modernized, and majority of the artists and architects have been educated in Vienna, München, Venice, Rome, Budapest etc. Stylistically first contact of Croatian artists with the Jugendstill idiom came from Bella Csikos Sessia, painter who have studied on the München academy of fine arts and have met there Franz von Stuck and got acquainted with his work. Main ideological impetus came from several Croatian writers and art critics as Mililivoj Dežaman and Ivo Pillar who have published first articles and books elaborating new – modern artistic ideology of Secesija (Croatian term). Spritus movens of the whole movement have been painter Vlaho Bukovac who have established himself in the Paris during previous years and have just returned to Zagreb in 1896. His strong artistic individuality could not stand restrictions of the official artistic taste founded on the historical styles and romantic national ideology. Although his painting would not be recognized in Paris as radical, likewise his style is much closer to the plainairesm then to the style of Vienna secessionist but his role as leader of the movement in this moment has been quintessential. In later development key figures where Tomislav Krizman who have tried to establish Croatian version of Winerwerkstete, unfortunately with less success, and of course sculptor Ivan Meštorvić who have defined not only late phase of Art Noveaou in Croatia, but also Croatian sculpture and art in the first half of the twentieth century. |
Jékely Zsombor Museum of Applied Arts / Iparművészeti Múzeum, Budapest | Arte moderna: Collezionare l'Art Nouveau a Budapest durante i primi del Novecento Modern Art: Collecting Art Nouveau at Budapest around 1900 | ITA:La collezione di fama mondiale di oggetti Art Nouveau presso il Museo di Arti Applicate di Budapest prese forma durante il mandato del direttore Jenő Radisics, che entrò in carica nel 1896, quando fu inaugurato il nuovo edificio del Museo delle Arti Applicate. Nel 1898, Radisics organizzò una mostra dal titolo "Arte Moderna", in cui fu presentata una vasta selezione di artisti europei Art Nouveau. Un numero significativo di oggetti fu acquistato dagli artisti e le gallerie che li rappresentavano (tra cui la Maison de l'Art Nouveau di Siegfried Bing), in occasione della mostra. La serie di mostre internazionali e di acquistiproseguì negli anni successivi, e il Museo delle Arti Applicate divenne un catalizzatore dell’Art Nouveau ungherese - che è anche rappresentata da numerosi pezzi della collezione. La conferenza prenderà in esame l’importanza della collezione formata da Radisics. La conferenza coincide con una mostra di capolavori dello stile Liberty dal Museo di Arti Applicate, in programma ai Musei Capitolini a Roma. ENG: The world famous collection of Art Nouveau objects at the Museum of Applied Arts in Budapest was formed during the tenure of director Jenő Radisics, who came to office in 1896, when the new building of the Museum of Applied Arts was opened. In 1898, Radisics organized an exhibition titled „Modern Art”, where a large selection of European Art Nouveau artists was presented. A significant number of objects were bought from the artists and the galleries representing them (including the Maison de l’Art Nouveau of Siegfried Bing) on the occasion of the exhibition. The series of international exhibitions and purchases continued during the following years, and the Museum of Applied Arts became a catalyst of Hungarian Art Nouveau – which is also represented by numerous pieces in the collection. The lecture will survey the strength of the collection formed by Radisics. The lecture will coincide with an exhibition of Art Nouveau highlights from the Museum of Applied Arts, scheduled to be shown at the Musei Capitolini in Rome. |
Josefin Kilner | La moda Jugend in Svezia Jugend Fashion in Sweden | ITA: Il Museo Rohsska a Göteborg è l’unico museo della Svezia specializzato in arte moda, design e arti decorative. Il museo fu fondato nel 1904 e fu aperto al pubblico nel 1916. La collezione di moda del Museo Röhsska contiene abiti dal 1800 ai giorni nostri, e molti dei grandi stilisti del XX secolo sono rappresentati da creazioni di altissima qualità artistica. Contiene anche numerosi accessori, come scarpe, borse e gioielli. La collezione comprende oggetti di avanguardia che riflettono le tendenze e le mode, così come oggetti artistici che sono legati alle tendenze del mondo dell'arte. Il Museo ospita una selezione molto importante di moda Jugend, con abiti di alcuni degli studi più rinomati a cavallo dei secoli 19 e 20 in Francia e in Svezia. Il mondo della moda si è sviluppato ad un ritmo incredibile nel corso degli ultimi cento anni e più e, nel corso del 1900, la moda ha subito grandi cambiamenti. Partendo dalla collezione del museo, il mio intervento sarà una breve introduzione alla moda Jugend, che riflette in modo eccezionale gli ideali estetici dello stile Jugend. La moda svedese Jugend fu in larga parte ispirata dagli studi degli stilisti francesi, e la Casa di moda svedese NK Franska creava copie di alta qualità degli originali della couture francese. Il Museo conserva un capolavoro del 1905 in pizzo nero Chantilly che è un perfetto esempio di capo di abbigliamento esclusivo, accuratamente cucito a mano e decorato con ricami di perle, che rappresentare in modo eloquente la moda Jugend. A cavallo dei secoli 19 e 20 la moda femminile, con colli alti, corsetti stretti e gonne lunghe, di cui il vestito di seta color oro del 1890 esposto nel museo è un esempio elegante, rappresenta lo stile Jugend, con la tipica silhouette a forma di S. Gli ideali dello stile Jugend si traducono principalmente in questa forma femminile a S, che era basata su un anello rigido del corsetto. Altri tratti distintivi sono i ricami, disegni e colori chiari con il bianco come colore molto diffuso. Erano gli artisti come Gustav Klimt, Henry van de Velde e William Morris, che creavano gli abiti sciolti, morbidamente drappeggiati nei loro dipinti, che ispiravano molti dei creatori di moda. L'ispirazione veniva inizialmente dalle forme naturali come i viticci di piante e fiori, onde del mare e bolle, che si traducevano in un allineamento sensuale ondulato. Moda e abbigliamento sono importanti forme di espressione artistica, insieme al design industriale, le arti e i mestieri, le arti applicate e la moda hanno un ruolo importante nella cultura moderna, definendo la partecipazione e il ruolo sociale dell'arte. La moda è anche una lente affascinante da utilizzare quando si osserva, si descrive e si analizza il mondo. Un capo di moda è una interessante riflessione sul ruolo dell'artista. Collegando un indumento a un contesto, o a un processo creativo, all’evoluzione sociale o al suo creatore, siamo in grado di scoprire e di essere affascinati dalle nuove dimensioni degli indumenti. Gli indumenti sono icone dei tempi che spesso possono - tramite la moda - far capire meglio la vita contemporanea. ENG: Röhsska Museum in Gothenburg is Sweden’s only specialist museum for fashion, design & decorative arts. The museum was founded in 1904 and opened to the general public in 1916. Röhsska Museum’s fashion collection contains garments from the 1800s to the present day, and many of the greatest fashion designers of the 20th century are represented by creations of the highest artistic quality. It also contains numerous accessories, such as shoes, bags and jewellery. The collection includes avant-garde objects that reflect trends and fashions, as well as more artistic items that are related to trends in the art world. The museum holds a very fine selection of jugend fashion, with dresses from some of the most renowned studios at the turn of the 19th and 20th centuries in France and Sweden. The fashion world has developed at an incredible pace over the last hundred plus years and, during the 1900s, fashion has undergone great changes. With a starting point in the museum’s collection, my speech will give a brief introduction to the inspiring jugend fashion, which highly reflected the aesthetic ideals of the jugend style. The Swedish jugend fashion was very inspired by the French tailor studios, and the Swedish fashion store house NK Franska made high quality copies of the French couture originals. The Museum holds a masterpiece from 1905 in black Chantilly lace which is a perfect example of the exclusive clothing, carefully sewn by hand and decorated with pearl embroidery which has come to represent the jugend fashion. At the turn of the 19th and 20th centuries women’s fashion, with high collars, tight corsets and long skirts, of which the museum’s gold-coloured silk dress from the 1890s is an elegant example, demonstrates the jugend style, with the clearly marked S-shape silhouette. The jugend style ideals are mainly reflected in this female S-shape, which was based on a hard corset ring. Other distinctive traits were embroidery, patterns, and light colours with white as a highly popular colour. It was artists like Gustav Klimt, Henry van de Velde and William Morris, who created the loose, softly draped dress ideals in their paintings that inspired many of the fashion makers. Inspiration was taken initially from natural forms such as plant tendrils and flowers, sea waves and bubbles, which translated into a sensual undulating alignment. Fashion and clothing are important forms of artistic expression, along with industrial design, arts and crafts, and the applied arts and fashion have an important role in modern culture, defining the social participation and significance of art. Fashion is also a fascinating lens to use when observing, describing and analysing the world. A fashion garment is an interesting reflection of the role of the artist. By linking a garment to a context, a creative process, social change or to its creator, we can discover and be fascinated by the new dimensions of garments. We also enjoy garments as visual time markers and can often use fashion to better understand contemporary life. |
Matteo Fochessati | Il Liberty in Italia tra modernismo e persistenze storiciste: interni e decorazioni attraverso la collezione e gli archivi della Wolfsoniana Il Liberty in Italia tra modernismo e persistenze storiciste: interni e decorazioni attraverso la collezione e gli archivi della Wolfsoniana | ITA: La diffusione del gusto e dello stile art nouveau in Italia tra la fine dell’Ottocento e i primi del Novecento fu caratterizzata da una singolare commistione - all’interno di quest’ambito di ricerca - tra le aperture verso i caratteri modernisti, espressi da tale fenomeno a livello internazionale, e i retaggi eclettici e storicisti che già avevano improntato il panorama artistico della seconda metà dell’Ottocento. L’analisi di questa dicotomia stilistica e culturale, che spesso diede vita a autonomi processi di ibridazione linguistica, sarà analizzata attraverso le opere e i materiali archivistici conservati dalla Wolfsoniana di Genova, mettendo anche in rilievo - in linea con la filosofia della collezione - le componenti storiche e sociali che contribuirono alla formazione di tale tendenza. ENG: The spread of taste and art nouveau style in Italy in the late nineteenth and early twentieth century was characterized by an interesting mingling - within this field of research - consisting in the opening toward modernist traits, internationally expressed by the phenomenon, and the eclectic and historicist heritage which had already characterized the art scene in the second half of the nineteenth century. The analysis of this dichotomy of style and culture, which often gave rise to linguistic self-hybridization processes, will be analyzed through the works and archival materials preserved in the Wolfsonian of Genoa, with an emphasys - in line with the philosophy of the collection - on the historical and social factors that contributed to the formation of this trend. |
Maria Paola Maino – Irene de Guttry | Due episodi del liberty italiano legati alla Francia Two episodes of Italian Art Nouveau linked to France | ITA: Mentre gli artisti di tutto il mondo visitavano l’Italia nel percorso obbligatorio del Gran Tour, verso la seconda metà dell’Ottocento scultori e pittori italiani si sono abbeverati alla cultura della capitale francese, sorgente viva di talenti e di accelerazioni stilistiche in tutti i campi. Modigliani e De Nittis sono alcuni tra i famosi italiani che hanno saputo esprimere un originale talento cosmopolita. Anche nelle arti decorative, contemporaneamente all’esplosione dell’art nouveau internazionale, gli artisti italiani hanno avuto contatti significativi con Parigi. Carlo Bugatti il milanese genialissimo reinventore dell’esotismo eclettico e l’industriale Vittorio Ducrot attivo a Palermo e mallevadore del liberty siciliano insieme all’architetto Ernesto Basile hanno avuto strette connessioni con la ville Lumière. Sono riusciti ad esprimere uno stile del tutto personale e originale pur attingendo a territori internazionali, le loro storie sono interessanti sotto molti aspetti, artistici, storici e antropologici e le loro opere, sopravvissute al lungo oblìo che ha inghiottito il Liberty italiano, sono oggi presenti in musei italiani e stranieri e hanno ritrovato il loro posto nella storia. Entusiasti promotori del nuovo stile, tra i pochi italiani segnalati per la modernità delle loro opere all’Esposizione Universale di Parigi 1900, Eugenio Quarti e Alessandro Mazzucotelli riscuotono unanime successo all’Esposizione internazionale delle arti decorative moderne di Torino 1902. Abilissimi artigiani di origine proletaria, nel clima generale di equiparazione di arti minori e di arti maggiori, sono accolti nell’ambiente artistico milanese, stimati da architetti, pittori, scultori e letterati; con molti di loro instaurano duraturi rapporti di amicizia. Compagni di strada in molte imprese, Quarti e Mazzucotelli dal 1903 insegnano nelle nuove Scuole professionali dell’Umanitaria, il primo dirige la Sezione del mobile, il secondo la Sezione fabbri ornatisti. ENG: While artists from around the world where visiting Italy in the obligatory path of the Grand Tour, in the second half of the nineteenth century Italian sculptors and painters absorbed the culture of the French capital, living source of talent and stylistic accelerations in all fields. Modigliani and De Nittis are two of the famous Italians who were able to express an original cosmopolitan talent. Even in the decorative arts, while Art Nouveau was exploding throughout the world, Italian artists had significant contacts with Paris. Carlo Bugatti the ingenious inventor of eclectic exoticism from Milan, and the industrial Vittorio Ducrot who was active in Palermo, great sponsor of Sicilian liberty, together with the architect Ernesto Basile had close connections with the Ville Lumiere. They were able to express a very personal and original style while tapping into international territories, their stories are interesting in many respects, artistic, historical and anthropological and their works survived the long oblivion that engulfed Italian Liberty; they are present today in Italian and foreign museums and have found their place in history. Enthusiastic promoters of the new style, of the few Italians reported for the modernity of their works at the Universal Exposition of Paris 1900, Eugenio Quarti and Alessandro Mazzucotelli collect unanimous success at the International Exhibition of Modern Decorative Arts in Turin 1902. Skilled craftsmen of proletarian origin, in the general climate of cathegorization of minor and fine arts, they were welcomed into the Milanese art scene, were respected by architects, painters, sculptors and writers, and established lasting friendships with many of them. Companions in many enterprises, Quarti and Mazzucotelli began to teach in 1903 in the new Scuole professionali dell’Umanitaria, the former directed the Sezione del mobile, the latter the Sezione fabbri ornatisti. |
Zofia Weiss | Cracow - Weiss - Fin de siècle | ITA: Wojciech Weiss, uno dei più importanti pittori polacchi modernisti della prima metà del XX secolo, esemplifica molto bene l'internazionalismo del mondo dell'arte europea all'epoca dell'Art Nouveau. Mentre viveva a Cracovia, città che apparteneva alla monarchia austriaca, viaggiava tra Oriente e Occidente ed era consapevole di ciò che stava accadendo nelle principali capitali della cultura. Weiss era aperta a nuovi metodi pittorici, il suo atteggiamento era sorprendentemente internazionale, ma allo stesso tempo era fortemente attaccato a una identità polacca storicamente difficile. All'inizio del XX secolo Cracovia, la sua città, era la quinta città della monarchia austriaca, dopo Vienna, Trieste, Praga e Lvov. C'erano venti associazioni di artisti attive a Cracovia, tra cui l'Associazione degli artisti polacchi "Sztuka" ('Arte') e la Polish Applied Art Association (più tardi nota come Cracow Workshops, ispirandosi a Wiener Werkstaette). Gli artisti di Cracovia, incluso Weiss, erano membri della Secessione viennese. Tra le numerose riviste d'arte, "Życie" svolse un ruolo di primo piano. Promuoveva la filosofia dell '"anima nuda", poesie di Baudelaire, Mallarmé, Verlaine, i dipinti di Munch e le sculture di Vigeland. Weiss 'dipinti sono stati riprodotti e ampiamente discusso lì. I dipinti di Weiss erano fortemente influenzati dall'arte giapponese, con il nome "That Cracow Japonist". L’atmosfera di Cracovia nel periodo Art Nouveau era terreno fertile per il successo dell'arte di Weiss', che ha bisogno di essere ampiamente diffuso nel contesto europeo. ENG: Wojciech Weiss, one of the foremost Polish modernist painters of the first half of the 20th century, very well exemplifies the internationalism of the European art world from the epoch of Art Nouveau. While living in Cracow, city that belonged to the Austrian Monarchy, he travelled easily between East and West and was aware of what was going on in the main capitals of culture. Weiss was open to new pictorial methods, his attitude was surprisingly international, but at the same time he was strongly attached to historically difficult Polish identity. In the beginning of 20th century Cracow, his living place, was the fifth among the cities of the Austrian Monarchy, after Vienna, Trieste, Prague and Lvov. There was 20 artists’ associations active in Cracow, including the Association of Polish Artists „Sztuka” (‘Art’) and the Polish Applied Art Association (later known as the Cracow Workshops, basing on Wiener Werkstaette). Cracovian artists, and Weiss amongst them, were members of the Vienna Secession. Among numerous art magazines, "Życie" played a major role. It promoted the philosophy of the "naked soul", poems by Baudelaire, Mallarme, Verlaine, Munch’s paintings and Vigeland’s sculptures. Weiss’ paintings were reproduced and widely discussed there. Weiss was also strongly influenced by Japanese art, having name "That Cracow Japonist". Cracow’s atmosphere in the Art Nouveau period gave ground for the flourishing of Weiss’ art, which needs to be widely disseminated in the European context. |
Philipp Gutbrod | Designing for the the new bourgeois taste - The first exhibition of the Darmstadt Artists' Colony | ITA: La mostra della Artists’ Colony Darmstadt del 1901 e' la prima grande mostra di architettura del mondo. ENG: The exhibition of the Artists’ Colony Darmstadt in 1901 marks the first large-scale architecture exhibition in the world. As an early culmination of the life reform movement, utopian plans for living were explored by presenting an ensemble of fully furnished houses that embodied a heightened unity between art and life. All parts of these 'total art works', designed by Joseph Maria Olbrich and Peter Behrens in 1900/01, were for sale and could be purchased in the exhibition. The talk will focus on the evolution of the Artists’ Colony Darmstadt from designing for the upper class in 1901 to constructing affordable housing for the working class in 1914. |
Erik Buelinckx – Marie Resseler | Henry Van de Velde a Bruxelles: le origini di una rivoluzione estetica Henry Van de Velde in Brussels: the origins of an aesthetic revolution | ITA: Il 1893 vede la nascita dell’Art Nouveau a Bruxelles con la nascita di due sedi emblematiche: l’Hotel Tassel di Victor Horta, e la casa personale di Paolo Hankar, entrambe situate in una zona alla moda della capitale giovane. A parte queste due essenziali - e famose - realizzazioni della nuova architettura belga, anche l’opera di Henry van de Velde (1863-1957) è di primissimo piano. Oltre ad introdurre e commercializzare in Belgio carta da parati e tessuti Arti e Mestieri, firmò alcune delle più notevoli realizzazioni Art nouveau, tra cui la sua casa personale, "Bloemenwerf", costruita nella periferia di Bruxelles ', oltre ad alcune case signorili. Nel 1895 Van de Velde progettò gli interni della "Maison de l'Art Nouveau" di Samuel Bing. Nel 1906 lasciò il Belgio e si stabilì a Weimar, dove le sue ricerche estetiche uniche contribuirono alla creazione del Bauhaus. In questo intervento non solo analizzeremo la sua opera in stile Liberty, ma presenteremo anche le sue idee sociali e la loro influenza sul suo lavoro artistico e teorico, nonché il ruolo importante che ebbe come vero e proprio artista europeo d'avanguardia. ENG: 1893 sees the birth of Art nouveau in Brussels with two emblematic houses: Hotel Tassel, by Victor Horta and Paul Hankar's personal house, both located in a new trendy area of the young capital. Apart from those two essential -- and famous -- realisations of Belgian new architecture, the work of Henry van de Velde (1863-1957) is also of first rank. Besides introducing and commercialising in Belgium Arts and Crafts wallpaper and fabrics, he has signed some of the most remarkable Art nouveau realisations, among which his personal house, "Bloemenwerf", built in Brussels' suburbs, and some mansion houses. In 1895 Van de Velde designed the interior of Samuel Bing's "Maison de l'Art Nouveau". In 1906 he leaves Belgium and settles down in Weimar, where his unique aesthetic researches will contribute to the creation of the Bauhaus. In this lecture we will not only look at his art nouveau work, but also present his social views and their influence on his own artistic and theoretic work, and the important role he played as a real European networking avant garde artist. |
Ismo Malinen | Il Hvittrask, un'opera d'arte totale dello stile Art Nouveau finlandese The Hvitträsk, a total work of art of the Finnish Art Nouveau style | ITA: La Hvittrask fu costruita tra il 1901-1903 dagli architetti finlandesi Herman Gesellius, Armas Lindgren e Eliel Saarinen a Kirkkonummi, a circa 30 chilometri a ovest di Helsinki. A quel tempo i tre giovani architetti godevano di grande successo, avendo appena realizzato il padiglione finlandese all'Esposizione di Parigi del 1900. Hvittrask era sia uno studio comune sia l’abitazione degli architetti Eliel Saarinen e Armas Lindgren e le loro famiglie per molti anni dopo che fu completato. Hvittrask, costruito di tronchi e pietre naturali, è uno dei più importanti lavori finlandesi in stile Art nouveau e può essere considerato "casa come opera d'arte". Questi tre architetti unirono nel design elementi nazionali e internazionali anche se le caratteristiche essenziali del Hvittrask sono finlandesi. Gli interni e soprattutto alcuni degli arredi sono stati leggermente modificati nel corso degli anni 1950 e 1960, ma l’effetto generale è ancora oggi estremamente originale. La Hvittrask fu inaugurata come museo per la prima volta nei primi anni 1970. Nel 1981 la Hvittrask fu donata allo Stato finlandese e oggi è uno dei musei del National Museum of Finland. ENG: The Hvitträsk was built between 1901-1903 by Finnish architects Herman Gesellius, Armas Lindgren and Eliel Saarinen in Kirkkonummi, about 30 kilometres west off Helsinki. At that time these three young architects enjoyed much success as they just had been responsible for the design of Finnish Pavilion at the Paris Exposition 1900. Hvitträsk was both a common studio and a home for architects Eliel Saarinen and Armas Lindgren and their families for some years after it was completed. Hvitträsk, built of logs and natural stone, is one of the most important Finnish total work of Art nouveau style art or can be seen as “The Home as a work of Art” .These three architects combined in their design both national and international elements even though the essential features of the Hvitträsk are Finnish. The interiors and especially some of the furnishings have been slightly altered during the 1950s and 1960s, but the general impression is today as much original as possible. The Hvitträsk was opened as a museum first time in the early 1970s. In 1981 the Hvitträsk was given to the Finnish State and today it is one of the museums of the National Museum of Finland. |
Stina Aadland Jensen | L'Art Nouveau norvegese dal punto di vista Ålesund Norwegian Art Nouveau from an Ålesund perspective | ITA: Le radici dell'Art Nouveau a Ålesund risalgono a un evento significativo e tragico nel 1904. 850 case bruciano durante un incendio devastante, lasciando 10.000 persone senza tetto e quasi tutta la città in rovina. Ma a causa di questo evento tragico che ha coinciso con il crack dell’edilizia nel 1899, 50 architetti e costruttori vennero a Ålesund, e durante un periodo di soli 3 anni, la città fu ricostruita. La maggior parte degli edifici o contengono elementi di Art Nouveau oppure sono interamente costruiti in stile liberty. Gli edifici più significativi appartenevano ad alcune delle personalità più importanti di Ålesund ed è di alcuni di questi edifici e degli interni che vorrei parlare. Sappiamo poco del rapporto tra architetto e datore di lavoro e di quanto la borghesia di Ålesund apprezzasse o meno l'estetica Art Nouveau, ma a giudicare da oggetti e mobili, vi sono segnali che le personalità più importanti esprimessero un certo interesse, e che lo considerasso moderno ed elegante. Era un mix di tradizione e stile nuovo e moderno. Alcune delle questioni che vorrei affrontare sono: 1) Nessuno degli architetti usava il termine Jugendstil. Come ebbe eco il loro stile nazionale Art Nouveau con quello europeo? 2) E 'possibile decifrare tendenze, con l'aiuto di fotografie degli interni di Ålesund? In che misura gli interni riflettevano gli esterni? Il centro fa parte del Partage Plus, e includeremo i disegni architettonici, le fotografie e gli oggetti in questo progetto. ENG: The roots of the art Nouveau in Ålesund dates back to one, significant and tragic event in 1904. 850 houses burnt down during a devastating fire, leaving 10000 people homeless and almost the entire town in ruins. But because of this tragic event that also coincided with the building crack in 1899, 50 architects and builders came to Ålesund, and during a period of only 3 years, the town was rebuilt. Most of the buildings either contain elements from Art Nouveau or has an entire art nouveau look to it. The most significant buildings belonged to some of the most prominent persons in Ålesund and it is some of these buildings and the interior I would like to discuss. We know little about the relationship between architect and employer and how much the bourgeoise in Ålesund cared for the aesthetics of Art Nouveau, but through artefacts and furniture, there are some indications that the most prominent people did have an interest in it, and considered it modern and stylish. It was a mix between the traditional and the new and modern style. Some of the questions I would like to discuss are: 1) None of the architects used the term Jugendstil themselves. How did their national style echo the European Art Nouveau? 2) Is it possible to decipher any trends with the help of photographs from interiors in Ålesund? To what extent did the interior reflect the exterior? The center is part of the Partage Plus and we will include both architectural drawings, photographs and objects into this project. |
Andreia Vale Lourenço | L'adesione al movimento dell'Art Nouveau da parte della borghesia locale The adoption of the Art Nouveau movement by the local bourgeoisie | ITA: Le espressioni che possono essere associate con il movimento Art Nouveau, in Aveiro, risalgono agli inizi del XX secolo, in particolare negli anni tra il 1904 e il 1920. L'avvento degli edifici Art Nouveau nella città coincide con un periodo di crescita urbana e di prosperità. Lo stile fu importato in città dall’alta borghesia - dai commercianti e industriali - ma anche dagli immigrati arrivati dal Brasile. Questo processo, analogamente a quanto avvenuto nel resto del paese, è svolse un ruolo significativo nello sviluppo del movimento Art Nouveau a livello locale. Gli edifici in stile Art Nouveau sono generalmente case private, a volte associate a un'attività commerciale. I dettagli Art Nouveau potrebbero essere applicati anche a edifici più vecchi con locali commerciali al piano terra. Le due caratteristiche principali della tendenza Art Nouveau locale sono: 1) "Applicazione" delle facciate Art Nouveau su edifici altrimenti convenzionali - vi è una chiara distinzione tra le facciate e gli interni innovativi convenzionali, 2) Gli elementi decorativi in stile Art Nouveau si esprimono attraverso: piastrelle, lavorazione del ferro e la lavorazione della pietra. Attraverso Partage Plus il comune si propone di rendere disponibili in Europeana una vasta collezione di piastrelle portoghesi Art Nouveau, che esprimono chiaramente il gusto del periodo e della borghesia locale nell’abbellire le loro case attraverso questo materiale costruttivo e decorativo. ENG: The expressions that can be associated with the Art Nouveau movement, in Aveiro, date from the beginning of the Twentieth century, more specifically the years between 1904 and 1920. The advent of the Art Nouveau buildings in the city is related to a period of urban growth and prosperity. The style was imported into the city by the wealthy bourgeoisie – merchants and industrialists – but also by newly arrived immigrants from Brazil. This process, similar to what occurred in the rest of the country, came to play a significant role in the development of the Art Nouveau movement at a local level. The buildings in the Art Nouveau style are usually private houses, occasionally associated with a commercial activity. Art Nouveau details could also be applied to older buildings having commercial premises on the groundfloor. The two The two main characteristics of the Art Nouveau local trend are: 1) “Application” of Art Nouveau façades in otherwise conventional buildings – there is a clear distinction between the innovative fronts and the conventional interiors; 2) Art Nouveau decoration expressed through: tiles, iron work and stone work. Through Partage Plus the municipality aims to make available in Europeana an extensive collection of Art Nouveau Portuguese tiles, which clearly express the taste of the period and of the local bourgeoisie in embellishing their houses through this constructive and decorative material. |
Mariàngels Fondevila | Modernismo catalano: specchio del gusto borghese Catalan Modernisme: a mirror of the bourgeois taste | ITA: La Barcellona Fin-de-siècle, una città che aveva già costruito il quartiere di Eixample progettato da Cerdà, e che aveva accolto con favore l'Esposizione Universale del 1888, diventando il nucleo della penisola iberica e la capitale Modernista per eccellenza. Fu un periodo di effervescenza e di professionisti illustri, tra cui gli architetti eccezionali Antoni Gaudí, Lluís Domènech i Montaner e Josep Puig i Cadafalch, tra gli altri. Questi architetti diedero un contributo significativo nei campi dell’interior e industrial design, come dimostrano i complessi degli edifici borghesi in Passeig de Gràcia: La Casa Batlló di Gaudí, la Amatller House di Puig i Cadafalch e la Lleó Morera House di Domènech i Montaner. Tutti questi progetti accolsero un gran numero di artisti e industriali che riuscirono a creare ambienti altamente raffinati che riflettono la raffinatezza e il benessere che la borghesia cercava di esprimere. Tutte queste opere sono esposte nelle gallerie MNAC. Oltre a questi designer di interni vale la pena ricordare i gioielli di Masriera e le ceramiche di Lambert Escaler e Antoni Serra, tra gli altri, che evocano l'atmosfera fin-de siècle, che a sua volta riflette il potere economico della borghesia. ENG: Fin-de-siècle Barcelona, a city that had already built the Eixample district planned by Cerdà and had welcomed the Universal Exhibition in 1888, had become the key nucleus of the Iberian Peninsula and the Modernista capital par excellence. This was a time of building effervescence and eminent professionals, including the exceptional architects Antoni Gaudí, Lluís Domènech i Montaner and Josep Puig i Cadafalch among others. These architects made significant contributions to the field of interior and industrial design, as illustrated by the ensembles of the bourgeois home in Passeig de Gràcia: Gaudí’s Batlló House, Puig i Cadafalch’s Amatller House, and Domènech i Montaner’s Lleó Morera House. All these projects welcomed a considerable number of artists and industrialists who succeeded in creating highly refined interiors reflecting the refinement and well-being the bourgeoisie strove to attain. All these works can be seen in the MNAC galleries. Along with these interiors designers it’s worth mentioning Masriera’s jewels and ceramic pieces by Lambert Escaler and Antoni Serra, among others, which evoke fin-de siècle atmosphere, which in turn reflects bourgeois economic strength. |
Calvin Winner | Unknown Pleasures: L'eredità dell’architettura Art Nouveau nella East Anglia Unknown Pleasures: The legacy of Art Nouveau architecture in East Anglia | ITA: La Sainsbury Centre for Visual Arts a Norwich ospita una delle più belle collezioni di Art Nouveau nel Regno Unito. Meno noto è che Norwich e la regione di East Anglia contengono un gruppo di edifici connessi con il periodo. Un elemento complementare del progetto SCVA Partage Plus è quello di registrare digitalmente e documentare fotograficamente l'eredità architettonica del periodo - in particolare a Norwich - ma anche in tutta la regione di East Anglia. Anche se alcuni esempi, come la Royal Arcade (1899) a Norwich sono celebrati come importanti a livello nazionale, altri esempi sono scarsamente documentati e meritano di essere meglio conosciuti. Gli architetti abbracciavano lo stile molto più in Europa continentale che in Gran Bretagna, con l’eccezione di Glasgow e pochi edifici Art Nouveau. Ciò rende particolarmente interessante un gruppo modesto di edifici inclusi in questo studio. Il celebre stilista WJ Neatby fu responsabile per il lavoro delle piastrelle decorative della Norwich Royal Arcade, assieme all’architetto di Norwich G. Skipper (1856-1948). I disegni furono realizzati da Doulton con esempi analoghi nella meat hall dei grandi magazzini Harrods, Knightsbridge, Londra (1903). Il celebre architetto britannico Edwin Lutyens (1869 - 1944) realizzò diversi edifici della regione più in generale in stile Arts and Crafts ma strettamente associati a elementi di Art Nouveau, come la Pleasaunce, (1897-9) e Overstrand Hall (1899). In gran parte l’Art Nouveau trovò la sua strada nell’architettura britannica con tocchi qua e là negli interni, oggetti, carta da parati, tessuti o elementi decorativi di Liberty and Co. Molti degli edifici inclusi in questa indagine contengono elementi o dettagli associati allo stile piuttosto che essere esempi nel loro complesso. Tuttavia gli edifici non contengono molti degli ingredienti essenziali come le forme asimmetriche, gli archi e le superfici decorative con curve e disegni floreali. Una panoramica illustrata del progetto sarà presentata per introdurre online questo progetto sul patrimonio costruito. ENG: The Sainsbury Centre for Visual Arts in Norwich holds one of the finest collections of Art Nouveau in the UK. Less well known is that Norwich and the region of East Anglia contain a group of buildings associated with the period. A complementary element of the SCVA Partage Plus project is to digitally record and document photographically the architectural legacy of the period particularly in Norwich but also across the wider region of East Anglia. Although some examples, such as the Royal Arcade (1899) in Norwich are celebrated as nationally important, other examples are poorly documented and deserve to be better known. Architects embraced the style more wholeheartedly in Continental Europe than in Britain, with the notable exception of Glasgow and few complete Art Nouveau buildings were created. This makes a modest group of buildings included in this survey particularly interesting. The celebrated designer W. J. Neatby was responsible for the decorative tile work in the Norwich Royal Arcade, alongside the Norwich architect G. Skipper (1856-1948). The designs were manufactured by Doulton with similar examples in the meat hall at Harrods department store, Knightsbridge, London (1903).The celebrated British architect Edwin Lutyens (1869 - 1944) produced several buildings within the region more generally in the Arts and Crafts style but closely associated with elements of art Nouveau, such as the Pleasaunce, (1897-9) and Overstrand Hall (1899). For the most part Art Nouveau found its way into British architecture as a novel touch here or there or interiors in the ‘new style’ with wallpaper, fabric or decorative object from Liberty and Co. Many of the buildings included in this survey contain elements or indeed details associated with the style rather than being complete examples in their own right. However the buildings do contain many of the essential ingredients such as asymmetrical shapes, arches and decorative surfaces with curved, plant-like designs. An illustrated overview of the project will presented to introduce this built heritage online project. |
Caroline Keilholz Steinbichler Chris Vastenhoud, KMKG | Realizzazione di modelli 3D delle collezioni di Art Nouveau europee 3D model creation of Art Nouveau collections throughout Europe | ITA: Le forme e la forma sono la caratteristica dell’Art Nouveau. Le immagini bidimensionale sono spesso insufficienti per mostrare e raffigurare le intenzioni dei creatori. Partage Plus cerca di ovviare a questo inconveniente con l'applicazione di soluzioni tecniche che danno allo spettatore più possibilità di visualizzare gli oggetti da angoli e lati diversi. Uno di questi è il video, come mezzo per mostrare qualcosa in più delle costruzioni e dei rapporti interni di un oggetto di quanto possa mostrare un'immagine in 2D. Il progetto pone l’accento su una componente relativamente nuova nella rappresentazione del patrimonio culturale in ambiente digitale, il modello di ri-creazione in 3D. I modelli 3D sono creati utilizzando diverse tecnologie, come la scansione in luce strutturata e la fotogrammetria. In primis, Partage Plus creerà un vasto corpus di modelli digitali 3D, 2.000, con le rappresentazioni realizzate da tutti i partner del progetto. Durante la presentazione verranno illustrate le diverse tecnologie applicate in relazione alle collezioni e gli oggetti fotografati digitalmente oltre ai progressi compiuti nella comprensione dell’applicazione di queste tecnologie nel campo dei Beni Culturali. ENG: Shape and form are characteristic for Art Nouveau. 2D images sometimes fall short in reproducing and depicting the maker’s intentions. Partage Plus tries to overcome these shortcomings by the application of technical solutions which give the spectator more possibilities to view the objects from different angles and sides. One of these is video, as a means to show more of the construction and internal relations of an object then a 2D picture. The project has a strong focus on a relatively new component in the representation of cultural heritage in the digital environment, 3D model re-creation. These 3D models are created using different technologies as structured light scanning and photogrammetry. As a first, Partage Plus will create a large corpus of 3D digital models, 2.000, with representations from all content partners in the project. The presentation will discuss the different technologies applied in relation to the collections and objects digitally captured and the progress made in understanding the application of these technologies in an Cultural Heritage environment. |
Franc J. Zakrajšek researcher Vlasta Vodeb researcher | Vantaggi e approcci nella geolocalizzazione delle Collezioni di Art Noveau Benefits and Approaches to Geocoding of Art Noveau Collections | ITA: Art Nouveau si caratterizza per le tendenze diversamente localizzate. Le immagini digitali, testi, oggetti 3D virtuali e altri tipi di presentazioni digitali del contenuto culturale sono già riconosciuti come valore aggiunto per scopi di ricerca, turismo e fruizioni analoghe dei beni culturali. La presentazione illustra i benefici dei dati geografici e delle mappe delle collezioni Art Nouveau. Con lo sviluppo di sistemi accessibili di informazione geografica (GIS), la posizione spaziale è diventata negli ultimi anni, a disposizione di un vasto pubblico professionale e generale. Rappresentazioni digitali della dimensione geografica del movimento e dello stile Art Nouveau possono essere mappate solo se gli attributi di una posizione sono formalizzati in coordinate spaziali. Per avere un’idea del problema e dei concetti più comuni, saranno riassunti metodi e strumenti per l’assegnazione delle coordinate geografiche degli oggetti del patrimonio culturale. La parte finale della presentazione si concentra sui modelli spaziali e sull'estensione geografica delle collezioni slovene Art Nouveau mobili e immobili. ENG: Art Nouveau is characterised with the differently localised tendencies. Digital images, texts, virtual 3D objects and other types of digital presentations of the cultural content are already recognized as an added value for research, tourism and similar use of cultural heritage. The presentation demonstrates the benefits of the geographical data and maps of the art noveau collections. By development of accessible geographical information systems (GIS), the spatial location has become in recent years available to a wide professional and general public. Digital representations of geographical dimensions of the Art Nouveau movement and style might be mapped only if the attributes of a location are formalized in spatial coordinates. To gain an understanding of the issue the most common concepts, methods and tools for asignment of the geographical coordinates to cultural heritage objects will be summarized. The final part of the presentation shall focus on spatial patterns and geographical extent of the Slovene movable and immovable Art Nouveau collections. |
Gordon McKenna Colletions Trust | Digitalizzazione apera nel progetto Partage Plus Open Digitisation work in PartagePlus | ITA: Parte del concetto di Open Digitisation è l'uso dei social media sul web per ottenere contenuti digitali sul patrimonio culturale e metadati descrittivi sugli elementi. L’uso dei wiki, del crowdsourcing e delle licenze open content per creare risorse digitali che sono intrinsecamente aperte, condivisibili e idonee ad essere riutilizzate su più applicazioni digitali. Questo articolo esaminerà l’argomento nel suo contesto generale, concentrandosi sull’esperienza del Collections Trust nell'utilizzo di queste tecniche nel Plus Partage. Queste ultime sono offerte al consorzio Partage Plus, e alla più ampia comunità dei beni culturali, per la loro considerazione. ENG: Part of the concept of open digitisation is the use of web social media, and their users, to obtain cultural heritage digital content and descriptive metadata about the items. They use the power of wikis, crowd sourcing and open content licensing to create digital assets that are inherently open, shareable and capable of being reused across multiple digital applications. This paper will look at the subject in its general context, whilst focusing on the Collections Trust’s experience in using these techniques in the Partage Plus. These are offered to the Partage Plus consortium, and to the wider cultural heritage community, for their consideration. |